Японская живопись и графика VIII-XVIII веков

• Введение

  2

• Японская живопись и графика VIII—XVIII вв. 3

• Заключение

  15

• Список использованных источников

  17

• Введение
• Япония — потрясающая страна. Здесь уникально все — города, язык, культура. Все, кто хоть раз побывал в Японии, утверждают, что ничего подобного они не видели ни в одной другой стране мира.
• Почему в Стране восходящего солнца столько необъяснимого очарования? Главная причина, наверное, в том, что японцы всегда и во всем умели найти гармонию. Для японских художников характерно яркое выражение любви к своей стране и воспевание ее красоты.
• Культура Японии сложилась в результате исторического процесса, начавшегося с переселения предков японского народа на японский архипелаг с материка и зарождения культуры периода Дзёмон.

Одной из особенностей японской культуры является её долгое развитие в период полной изоляции страны (политика сакоку) от всего остального мира в период правления сёгуната Токугавы, длившейся до середины XIX века — начала периода Мэйдзи. А также особые природные явления (частые землетрясения и тайфуны), что выразилось в своеобразном отношении японцев к природе как к живому созданию. Умение восхищаться сиюминутной красотой природы, как особенность национального характера японца, нашло выражение во многих видах искусств Японии.

Японская живопись и графика очень разнообразна как по содержанию, так и по формам: это настенные росписи, картины-ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шелке и бумаге, альбомные листы и веера.

• Целью данной работы является изучение и краткая характеристика живописи и графику Японии VIII—XVIII вв.еков.

Работа состоит из введения, основной части, заключения, списка использованных источников и приложения.

• Японская живопись и графика VIII—XVIII вв.еков
• Японская живопись — один из старейших и наиболее изысканных видов изобразительного искусства Японии, в которой проявилась вся самобытность национального характера. В сюжетах картин преобладают сцены, насыщенные действием. Предпочтение отдается ярким цветным плоскостям и четким контурам. Это хорошо заметно в ритуальных свитках и на расписных ширмах.
• Для традиционной японской живописи характерно большое разнообразие жанров, стилей, форм и техник. Живописные произведения могли иметь форму висячих свитков, свитков горизонтального формата, разворачивающихся по мере рассмотрения, могли быть в виде отдельных альбомных листов, они украшали веера, ширмы, стены. Основу же всех стилей при всем их многообразии составляют два главных направления: континентальное (привнесенное из Китая и Кореи) и чисто японское.

С развитием литературы живопись приобрела характер иллюстраций. Появились даже живописные повести, иллюстрирующие путешествия, романы и описания жизни императоров и вельмож. Главным для них было — передать настроение героя. Это делалось при помощи сочетания цветов и их оттенков, лаконичных и вместе с тем насыщенных, изысканной композиции. Особенно явственно это проявилось в пейзажной живописи, в которой примерно к XVI веку утверждается живопись тушью. По глубине чувств, переданных японскими художниками, живопись смыкается с поэзией.

• До X в. в японской живописи доминировало китайское направление буддийского содержания. Самые ранние из сохранившихся выдающихся произведений относятся к периоду Нара (645−794) — это росписи храма Хорюдзи. Исполненные гибкими линиями, с легкой подкраской, они перекликаются с индийскими и китайскими образцами. В период Хэйан (794−1185) в буддийской живописи получили широкое распространение иконы-мандалы, представляющие собой символические схемы мироздания. Бесчисленные версии изображения Мандалы были созданы на стенах храмов, а также на свертках.

Затем начинает появляться японская живопись — ямато-э. Первые произведения в этом стиле представляли собой роспись ширм и сдвижных экранов, позднее появились многометровые живописные свитки и произведения на отдельных листах альбомного формата, для которых характерно сочетание общего условно-декоративного характера композиции (плоскостные фоны, нередко золотые, тщательно прорисованные контуры) — с подчеркнуто правдоподобным изображением отдельных мотивов.

Старейшие из сохранившихся свитков, первые образцы светской живописи, представленные в горизонтальных свитках, которые относятся к XII в., служат иллюстрацией классических произведений японской литературы периода Хэйан: «Исэ моногатари», «Хэйкэ моногатари» (повесть о войне между домами Тайра и Минамото), «Свитка придворного Бан дайнагон», «Свитка ежегодных обрядов и церемоний», «Свитка веселящихся животных» и «Свитка адских миров».

Отметим, что первые горизонтальные свитки появились в Японии в VIII веке — их привезли из Китая. Их небольшой формат лучше всего подошел для повествовательного жанра. В Камакура такие свитки использовались для записи истории монастыря и биографий прославленных монахов. В то же время они предоставили возможность для юмористических и даже грубоватых рисунков, например, изображений будд в виде лягушек и монахов — в виде обезьян, в живой раскованной манере, которая расширила возможности художников и каллиграфов за границы простого рассказа. Так, на свитке «Чудесная история о летающем амбаре» (Приложение 1), фактически повествующем о возмездии за отказ сделать надлежащие религиозные пожертвования, история представлена в комическо-карикатурной форме: обезумевший владелец хранилища с зерном устремился вдогонку за амбаром, исчезающим в золотой монашеской чаше для подаяний. В подобных свитках открываются существенные различия между китайским и японским вкусом. В китайском исполнении эти истории тяготели к конфуцианским нравоучительным повествованиям, в то время как японцы насыщали сюжет реалиями повседневной жизни и человеческой натуры.

В это же время в Японии был создан, наверное, первый роман в истории мировой литературы — «Гэндзи Моногатари» («Повесть о Гэндзи»). Это невероятная история из жизни при дворе в Киото, создана в 1000 году Мурасаки Сикибу — придворной дамой, японской писательницей. «Повесть о Гендзи» правдиво и в мельчайших подробностях живописует жизнь императорского двора периода Хэйан, пышное великолепие его ритуалов, художественные вкусы и т. д. Иллюстрации к ним выполнены художником Фудзивара Такаёси (Приложение 2).

Характерной особенностью культуры той эпохи, созданной довольно узким кругом аристократического сословия, был культ красоты, стремление найти во всех проявлениях материальной и духовной жизни свойственное им очарование, подчас неуловимое и ускользающее. Произведения живописи того времени передавала не действие, а состояние души, настроение героев. Это проявляется в застывших силуэтах фигур и специфическом коричневато-бирюзовом колорите.

В конце XII века наступил закат культуры Хэйанской эпохи. В художественных ценностях произошел сдвиг от изящности и аристократической рафинированности позднего Хэйан к прагматичности и аскетичности во вкусе новых правителей Камакура. В живописи на свитках утвердилось повествовательное начало: это полные драматических эпизодов легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской веры, сцены сражений воинов. В этой форме искусства нашло выражение то, что можно обозначить как витальные элементы японской живописи: спонтанность, грубая энергия и движение. Распространились также портреты военачальников и монахов. Одно из самых популярных изображений — портреты Бодхидхармы, монаха, пришедшего в V веке из Индии и основавшего китайскую секту чань; он стал легендарным основателем плеяды патриархов дзэн. В самом «непочтительном» стиле Бодхидхарма часто изображается с большой долей юмора, что порицалось традиционными буддийскими школами. Спонтанная живопись тушью по белой бумаге пришла из Китая, однако спонтанность, юмор и натуралистические элементы были привнесены японской традицией.

К XIV в. популярной становится монохромная живопись тушью в дзэнской манере, которая выходит за рамки монастырской традиции и становится неотъемлемой частью светского искусства. Эта живопись получила название суми-э. В это же время развивается жанр полихромного портрета, к которому обращаются многие дзэнские художники, например великий Мусоо Сосэки и его ученик Мутоо Сюуи.

Однако преобладающим жанром на протяжении XIV—XV вв. под воздействием учения секты Дзэн с его особым вниманием к природе начала развиваться пейзажная живопись в стиле сансуйга. Представителями этого жанра были высокообразованные художники; основу их принципов изображения природы составляют китайские философские концепции, восходящие к даосизму, конфуцианству и чань-буддизму (принципы природной и социальной гармонии и идеализация природы как безупречного божественного творения). Наиболее известными художниками этого периода являются Минтё (1352−1430), Дзёсэцу (первая половина XV в.), Тэнсёо Сюубун (ум. в 1460 г.) и др., не довольствовавшиеся простым следованием китайской традиции, а пытавшиеся утвердить собственный подход к монохромному пейзажу.

В течение полутора веков японские художники осваивали китайскую художественную систему, сделав одноцветную живопись достоянием национального искусства. Ее наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420−1506), больше известного под псевдонимом Сэссю. Первые свои работы он создал во время путешествия по Китаю. Позднее, уже на родине, в «Длинном свитке пейзажей» он обрел собственный взгляд на мир и свой особый живописный почерк. В своих пейзажах Сэссю (Приложение 3), пользуясь одними лишь тончайшими оттенками черной туши, сумел отразить всю многоцветность мира природы и ее бесчисленных состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, невидимый, но ощущаемый ветер и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы.

XVI столетие открывает эпоху так называемого позднего Средневековья, продолжавшегося три с половиной столетия.

В 1481 г. официальным художником при дворе Асикага становится Каноо Масанобу (1434−1530), творчески объединивший принципы китайской живописи с традицией ямато-э. Он стал основоположником школы, к которой относится целая плеяда блестящих художников, разработавших целое направление декоративной живописи. Ширмы, веера и настенные панно, расписанные этими мастерами, стали лицом японского изобразительного искусства конца XVI в. (период Адзути-Момояма, 1573−1614).

В этот период декоративная живопись получает дальнейшее развитие, широкое распространение получают настенные росписи, украсившие дворцы правителей страны и крупных феодалов. Крупнейшим мастером декоративной живописи был знаменитый Кано Эйтоку (1543−1590), живший во второй половине XVI в. Эйтоку был первым японским живописцем, использовавшим золотую фольгу как основу для больших композиций настенной живописи. На одном из немногих сохранившихся его произведений — «Кипарис» — изображен мощный ствол гигантского дерева, протянувшийся на все восемь створок ширмы. Золотой фон подчеркивает яркость красок, делает их более звучными (Приложение 4).

В период Эдо (1614−1868) достигли расцвета различные школы монохромной живописи. К важнейшим школам японской живописи эпохи Эдо относят школы Тоса и Римпа, специализировавшиеся в стиле ямато-э.

Школа Тоса находилась под покровительством императорского двора и была одной из самых процветающих в XV—XIX вв. Художники этой школы предпочитали сюжеты на классические произведения японской придворной литературы. Стиль Тоса характеризуется как изысканный, с богатой палитрой и тщательной прорисовкой деталей стиль.

Школа Римпа возникла в 1600 г. Ее основоположниками считаются Таварая Соотацу (ум. в 1643 г.) и Хонами Кооэцу (1553−1637), а самым выдающимся мастером признают Огата Коорин (1656−1716), чьи работы вдохновляли не только японских художников, но и западных: так, популярный в Европе в конце XIX — начале XX вв. стиль «арт-нуво» («модерн») во многом обязан достижениям художникам школы Римпа, которые прославились изысканным декоративным дизайном композиций на классические сюжеты и декоративные мотивы в новой трактовке — вот что делает стиль этого художника таким потрясающим В эпоху Эдо процветали также и другие направления живописи: школы — Маруяма-Сидзэёо, Акита, Итоо и др. Было популярно также направление намбан — буквально «южный варвар» — так японцы называли европейцев. Художники, работавшие в стиле намбан, подражали западной живописи, по-своему использовали западные сюжеты и пытались использовать законы перспективы В развитии декоративной живописи важную роль сыграла так называемая школа Сотацу — Корин. Заслугой ее выдающихся мастеров Таварая Сотацу и Огата Корин стало то, что они соединили технику традиционной живописи на свитках с приемами настенных росписей предшествующего столетия. Живопись этих художников тяготела к литературным сюжетам прошлых веков, передавала лирические переживания героев, но одновременно была зрелищной, что отвечало вкусам того времени (Таварая Сотацу. «Бог ветра», Огата Корин. «Волны в заливе Мацусима») (Приложение 5, 6).

Кисти Таварая Сотацу принадлежат две парные двустворчатые складные ширмы, украшенные изображениями двух божеств — бога ветра и бога грома. Фрагмент одной из них представлен на этой фотографии. Художник мастерски использует золотой фон не только как декоративный элемент, но и как средство создания безграничного пространства, в котором разворачивается действие с участием демонических созданий.

С начала XVIII в. в Японии в моду входит стиль бундзинга — буквально «просвещенная живопись». Художников этого направления — их иногда называют «японскими импрессионистами» — вдохновляла южно-китайская живопись эпохи династии Юань, называемая в Японии нанга. Наиболее выдающиеся художники этого направления Икэ-но Тайга (1723−1776), Урагами Тёкудо (1745−1820), Окада Бэйсандзин (1744−1820), Таномура Тикудэн (1777−1835) и др. творчески переосмысливали принципы традиционной японской и китайской пейзажной живописи, пытаясь придать своим работам настроение глубокой лиричности и неповторимой индивидуальности. Этот жанр повлиял на развитие японской школы Кано, а также на таких художников, как Икэ-но Тайга и Ёса Бусон (стиль нанга), а также Тани Бунте, Маруяма Оке и Кацусика Хокусай.

Двумя основными эстетическими принципами городской культуры периода Эдо были «ики» и «суй». Термин суй означает изысканность в манерах поведения. Ики подразумевает изысканность, с которой человек одевается и общается. Эти принципы отражали вкусы образованных и богатых людей из торгового сословия, которые с легкостью относились к деньгам и материальным благам и умели ценить красоту и роскошь. Этот стиль поведения относился также к женщинам высших рангов, к образованным гейшам и куртизанкам, чьей профессией было развлечение других людей.

Принципы ики и суй повлияли и на стиль укие-э, появившийся в первой половине XVII века, но пришедший в упадок уже в XIX в. Обычно под укиё-э понимают популярные и широко распространенные в период Эдо жанровые произведения — живопись и, в особенности, гравюру. Термин укие-э заимствован из буддийской философии и означает «мир скорби», то есть мир преходящих иллюзий, в котором уделом человека являются скорбь, страдания, болезни и смерть. Непостоянство бытия воспринималось как источник страдания и как призыв к наслаждениям и удовольствиям, которые оно дарует. Укие-э и означает «картинки плывущего мира». В центре внимания художников укие-э, как правило, были прекрасные дамы, гейши и куртизанки (жанр бидзинга), актеры театра кабуки, воспринимавшиеся в ту эпоху как «куртизаны» мужского пола (жанр якуся-э), эротические сцены (так называемые сюнга — «весенние картинки»), сцены любования природой, праздники и фейерверки, «цветы и птицы» (катёга)., а также знаменитые виды природных ландшафтов, благодаря их живописной красоте ставшие местами паломничества. По мере развития направления укиё-э рамки отражаемого им среза бытия все время расширялись: появилось много картинок укиё-э, иллюстрировавших известные литературные произведения, особенно Исэ-моногатари и Гэндзи-моногатари, а также военные хроники гунки-моногатари; в конце концов ко времени расцвета жанра он охватил буквально все аспекты повседневной жизни всех слоев японского общества. Темой укиё-э стали также исторические сюжеты: изображения знаменитых самураев (жанр муся-э), особенно эпохи Сэнгоку Дзи-дай, батальные сцены, сцены кровопролития, изображенные очень натуралистично, пожары и борьба с огнем, а также мир признаков и демонов, фантастические гротески и т. д.

Широкое распространение получили и пародии на изысканный стиль ямато-э: куртизанки изображались в одеяниях и позах знатных дам Хэйанской эпохи; дзэнский святой Дарума — в одеянии куртизанки; а божества изображались предающимися различным удовольствиям. Первые такие картинки появились еще в начале века; это были недорогие живописные работы. Зачастую автор был неизвестен, а композиция непритязательна. Эти картинки назывались сикоми-э, «быстро изготовленные картинки», их писали художники-матиэси, объединенные в большие артели. Главной темой картинок были дешевые проститутки и известные куртизанки.

Первым мастером укие-э, начавшим подписывать свои работы, стал Хисикава Моронобу (ум. В 1694 г.), имевший огромный успех. Он прославился своей работой «Букэ хякунин иссю», вышедшей в 1672 г. Всего Моронобу стал автором серий иллюстраций более чем к 150 книгам. Моронобу был известен не только как мастер гравюры, но и как автор живописных произведений укиё-э, и как дизайнер декоративных орнаментов косодэ.

Около 1770 г. взлет популярности пережил жанр якуся-э с новаторским изображением актеров как конкретных личностей Кацукава Сюнсе (1726−1793) и Иппицусай Бунте. Стиль Кацукава Сюнсе в значительной степени повлиял и на ранние работы Кацусика Хокусая (1760−1849), одного и величайших японских живописцев. Исода Корюсай и Китао Сигэмаса изображали прекрасных обитательниц веселых кварталов, занятых повседневными бытовыми заботами.

Конец XVIIIначала XIX вв., а именно эры Тэнмэй и Кансэй считается золотым «веком» укиё-э. В эти годы творили такие фигуры, как Тории Киёнага (1752−1815), Китагава Утамаро (1753−1806), Тосюсай Сяраку (г. ж. н.), Тёбунсай Эйси (1756−1815), Кубо Сюнман (1757−1820), Кацукава Сюите и др. В это же время дебютировал Утагава Тоёкуни (1769−1801), ведущий мастер укиё-э первой четверти XIX века.

Гравюра Гравюра — вид графики, в котором изображение является печатным оттиском рисунка, нанесённого на доску из дерева, линолеума, металла, камня; а также само изображение на дереве, линолеуме, картоне и т. п. на дереве (ксилография), расцвет которой в Японии относится к Средневековью (XVIIIпервой половине XIX в.), стала еще одним видом изобразительного искусства. Гравюру, как и жанровую живопись, назвали укиё-э («картины повседневного мира»). Главным центром производства гравюр к концу XVII века стал Эдо (нынешний Токио).

В создании гравюры помимо художника, который создавал рисунок и писал свое имя на готовом листе, участвовали резчик и печатник.

Первым мастером гравюры был Хисикава Моронобу, он считается создателем авторской гравюры, так называемой итшлаи-э, «отпечаток на одном листе» — то есть гравюры как отдельного, самодостаточного художественного произведения. В Эдо он основал школу Хисикава, ставшую одной из основных эдоских школ укие-э.

Сначала гравюра была однотонной, и ее раскрашивал от руки сам художник или покупатель. Революцию в укиё-э произвел Судзуки Харунобу (1725−1770), в 1764 году впервые применивший технику цветной печати, названной нисики-э, «парчовые картинки», или Эдо-э, эдоские картинки. Для этого резчик накладывал на специально подготовленную доску продольного распила (из древесины груши, вишни или японского самшита) кальку с рисунком и вырезал необходимое количество печатных досок в зависимости от цветового решения гравюры. Иногда их было больше тридцати. После этого печатник, подбирая нужные оттенки, на особой бумаге делал оттиски. Его мастерство состояло в том, чтобы добиться точного совпадения контуров каждого цвета, получаемых с разных деревянных досок.

Все гравюры подразделялись на две группы:

— театральные, на которых изображали актеров японского классического театра Кабуки в различных ролях

— бытописательные, посвященные изображению красавиц и сцен из их жизни.

Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тёсюсай Сяраку, изображавший лица актеров крупным планом, подчеркивая особенности исполнявшейся ими роли, характерные черты человека, перевоплотившегося в персонаж пьесы: гнев, страх, жестокость, коварство (Тёсюсай Сяраку. Гравюра из серии «Актеры театра Кабуки»).

Основной прием Тёсюсай Сяраку — гротеск, преувеличение — создавал впечатление внутренней напряженности и экспрессии его героев (Тёсюсай Сяраку. Гравюра из серии «Актеры театра Кабуки») (Приложение 7).

В бытописательной гравюре в качестве основоположников прославились такие выдающиеся художники, как Судзуки Харунобу («Чтение») и Китагава Утамаро (1753−1806). Утамаро был создателем женских образов, воплощавших национальный идеал красоты («Женщина перед зеркалом») (Приложение 8, 9). В сериях его гравюр на темы из жизни женщин — «Соревнование в верности», «Часы и дни девушки», «Избранные песни любви», «Прекраснейшие женщины современности» и др. — как правило, нет повествования, действия. Его героини как будто застыли на мгновенье и кажется, что в следующий миг они продолжат свое плавное грациозное движение. Но эта пауза — наиболее выразительный момент, когда наклон головы, жест руки, силуэт фигуры передают чувство, которым они живут (Китагава Утамаро. Гравюра из серии «Прекраснейшие женщины современности») (Приложение 10).

Самым известным мастером гравюры конца XVIII — первой половины XIX вв. был гениальный художник Кацусика Хокусай (1760−1849). Такие работы, как «Фугаку сандзюроккэй» («36 видов Фудзи») и «Хокусай манга», принесли ему мировую славу. Хокусай создал индивидуальную и неповторимую манеру, творчески вобрав самые разные стили. Его искусству свойственны невиданный по широте охват всех явлений жизни, интерес ко всем ее проявлениям — от незатейливой уличной сценки до величественных и грозных природных стихий (Кацусика Хокусай. «Водяная мельница в Ондене») (Приложение 11). Творчество Хокусай основывается на многовековой живописной культуре Японии. Хокусай изучал также творчество старых китайских мастеров, был знаком с европейской гравюрой. Мастер исполнил более тридцати тысяч рисунков и проиллюстрировал около пятисот книг. Будучи уже семидесятилетним стариком, Хокусай создал одно из самых значительных своих произведений — серию «Тридцать шесть видов Фудзи» («Большая волна в Канагава». Из серии «Тридцать шесть видов Фудзи»), позволяющую поставить его в один ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. Показывая гору Фудзи — национальный символ Японии — из разных мест, Хокусай впервые раскрывает образ родины и образ народа в их единстве (Приложение 12).

Новаторство Хокусай — в самой сути его искусства, его глубинной содержательности, связях со своим временем. Художник увидел жизнь как единый процесс во всем многообразии ее проявлений, начиная от простых чувств человека, его повседневной деятельности и кончая окружающей природой с ее стихиями и красотой («Южный ветер. Ясный день (Красная Фудзи)». Из серии «Тридцать шесть видов Фудзи»). Творчество Хокусай, вобравшее в себя многовековой опыт искусства своего народа, — вершина в художественной культуре средневековой Японии, ее замечательный итог (Приложение 13).

Расцвет пейзажного жанра связан также с именем Андо Хиросигэ (1797−1858), признанного мастера цветной ксилографии, младшего современника Кацусика Хокусай. В отличие от последнего, выработавшего характерный тип эпического японского пейзажа, Андо Хиросигэ в своих произведениях воплотил камерный, лирический образ национальной природы («Сливовый сад в Камэйдо». Из серии «Сто знаменитых видов Эдо»; «Станция Ёккаити. На реке Миягава». Из серии «Пятьдесят три станции Токайдо») (Приложение 14, 15).

Первое тридцатилетие XIX в. стало эпохой наиболее массового распространения укиё-э, в это время в Японии — не только в Эдо, но и в других городах (Киото, Осака, Нагоя и др.) — работали сотни художников, создававших десятки тысяч гравюр. Тогда же одной из любимых тем укиё-э становится пейзаж.

К поздним мастерам относятся также Кэйсай Эйсэн (1790−1848) и представители школы Утагава, доминировавшие в этот период. Примерно половина всех сохранившихся к настоящему времени гравюр укиё-э были созданы именно ими. Укиё-э оказала огромное влияние на становление импрессионизма: Эдгара Дэга, Клода Монэ и, особенно, на Винсента Ван-Гога.

Заключение

культура живопись графика японский Японская живопись — один из наиболее древних и изысканных из японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров, стилей и форм: это настенные росписи, картины-ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шёлке и бумаге, альбомные листы и веера.

Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе и изображение её в качестве носительницы божественного начала. Часто живопись была декоративно-прикладной, и росписи ширм, вееров, различных вещей и украшений домашнего быта восполняли простоту интерьера, становились его украшением.

О древней японская живописи можно судить лишь по упоминаниям в письменных документах. Вначале она имела религиозный характер, примерно до десятого века в японской живописи, безусловно, доминировало китайское направление, кара-э, причем преимущественно буддийского содержания. Начиная с X века появляться японская живопись, ямато-э, совершенно непохожая на китайскую, в ней появились национальные особенности. Самые ранние произведения в стиле ямато-э представляли собой роспись складных ширм и сдвижных экранов. Несколько позднее появились многометровые живописные свитки эмакимоно, а также живописные произведения на отдельных листах альбомного формата (сооси). В XIV веке, в эпоху Средневековья продолжавшегося три с половиной столетия развивается стиль суми-э (монохромная акварель). В это время получили распространение настенные росписи, украшавшие дворцы правителей страны и крупных феодалов. В первой половине XVII века появляется укиё-э (картины повседневного мира) — гравюры на дереве (ксилография), изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. Все гравюры подразделялись на две группы: театральные, на которых изображали актёров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и бытописательные, посвященные изображению красавиц и сцен из их жизни. Влияние популярности гравюр укиё-э на европейское искусство XVIII века называют японизмом.

Список использованных источников

1. Cердюк Е. А. Японская театральная гравюра XVII—XIX вв. / Е. А. Сердюк. — М.: Искусство, 1990. — 192 с

2. Гаджиева Е. А. Страна Восходящего Солнца. История и культура Японии / Е. А. Гаджиева. — Ростов-на-Дону: Издательство «Феникс», 2006. — 256 с.

3. Николаева Н. С. Искусство Японии с древности до начала XIX века. Художественный альбом / Н. С. Николаева. — М.: Диллер, 2006. — 342 c.

4. Японская живопись и графика. Коллекция: мировая художественная культура. [Электронный ресурс]. — Режим доступа: http://artclassic.edu.ru/catalog.asp?ob_no=20 183&cat_ob_no=